Sound Design Basics: Creating Audio for Videos and Games — mp3-ai.com

すべてが変わった瞬間

サウンドデザインがプロジェクトを成功させるか失敗させるかを実感した正確な瞬間を今でも覚えています。それは2009年のことで、私の最初のインディーゲーム — 視覚的には素晴らしいが、完全に無生物に感じられるホラータイトルに取り組んでいました。私たちはグラフィックス、ライティング、キャラクターモデルを完璧にするために8ヶ月を費やしました。すべてが驚くべきものでした。しかし、最初のフォーカスグループに見せたところ、フィードバックは厳しかったのです：「空っぽに感じる。技術デモのようでゲームではない。」

その夜、私は午前4時まで起きて、たった3つのサウンド要素を追加しました：廃墟の廊下を吹き抜ける遠くの風、プレイヤーの足元での床板の微かなきしみ、そして、30秒ごとに脈打つほぼ認識できない低周波の隆起です。翌日、私たちは異なるグループに同じビルドを見せました。違いは驚くべきものでした。プレイヤーは「本当に不安にさせられた」「没入感がある」「環境が生きているように感じた」と報告しました。私たちは一つのピクセルも変更していません。サウンドを追加しただけです。

その経験が私のプロのサウンドデザイナーとしてのキャリアをスタートさせました。過去15年間で、私は47の商業ゲームタイトル、数十のビデオプロジェクトに取り組み、3つの大陸にわたるスタジオとコラボレーションしてきました。私は、サウンドデザインは単に良い音を作ることではなく、感情的な共鳴を生み出し、注意を導き、完全に幻想的であってもリアルに感じる世界を構築することだと学びました。

今日は、私を「音を追加する」人から完全なオーディオ体験を設計する人に変えた基本的な原則を共有したいと思います。初めてのYouTubeビデオを作成しているのか、大規模なゲームを開発しているのかに関わらず、これらの原則はあなたの作品をアマチュアからプロフェッショナルに引き上げるでしょう。

サウンドデザインの三層を理解する

ほとんどの初心者はサウンドデザインに直線的にアプローチします — 画面上のアクションを見て、それに対応するサウンドを追加します。ドアが開くので、ドアの音を追加します。キャラクターが話すので、ダイアログを録音します。このアプローチでは機能的なオーディオが生成されますが、サウンドデザインを本当に効果的にする深いアーキテクチャを見逃しています。

「サウンドデザインは単に良い音を作ることではなく、感情的な共鳴を生み出し、注意を導き、完全に幻想的であってもリアルに感じる世界を構築することです。」

プロフェッショナルなサウンドデザインは、特定の目的を持つ三つの異なる層で動作します。私はこれを「レイヤーケーキモデル」と呼び、理解することは私のキャリアの中で最も重要な突破口でした。

第一の層は物語音 — あなたのビデオやゲームの世界に存在する音です。これらはキャラクターが理論的に聞くことができる音です：足音、ダイアログ、環境音、オブジェクトの相互作用。この層は、あなたが作り出している現実の中で観客を固定します。私の経験では、物語音はほとんどのプロジェクトで合計オーディオミックスの約60〜70％を占めるべきです。「Echoes of the Forgotten」と呼ばれる、20万本以上売れたパズルアドベンチャーゲームに取り組んでいたとき、私たちは物語層を完璧にするために3週間を費やしました — 古代の機構が軋む音、洞窟の水が滴る音、主役の呼吸が疲労レベルに応じて変わる音。

第二の層は非物語音 — 観客のために存在するがキャラクターには存在しない音です。これにはあなたの音楽スコア、ゲームのUI音、そしてしばしばビデオのナレーションが含まれます。この層は感情的な反応を形作り、情報を提供します。ミックスの約20〜30％であるべきです。この層を上に貼り付けるのではなく、統合されたものに感じられるようにすることが鍵です。ドラマティックなシーンをスコアリングする際、私はしばしば物語層からの音を反響させる楽器や音色を使用します。もしゲームが森の中に設定されているなら、スコアには木製の打楽器や、葉のざわめきや風に無意識に結びつく息をするフルートが含まれているかもしれません。

第三の層は私が心理音響デザインと呼ぶものです — 意識的な認識の下で機能し、感情を生み出し、注意を導きます。これには緊張を生み出す微妙な低周波の隆起、魔法や技術を示唆する高周波の輝き、そして戦略的な静寂の使用が含まれます。この層は通常、ボリュームの10〜20％程度ですが、感情的な影響の約40％を占めます。ホラーゲームでは、私はしばしば低周波音（20 Hz未満の周波数で人間が意識的に聞こえないが感じることができる音）を使って不安を生み出します。あるプロジェクトでは、探検シーケンス中に不規則に脈打つ17 Hzの音を追加しました。プレイヤーは何が彼らを不安にさせているのか特定できませんでしたが、彼らの心拍数は明らかに増加しました。

魔法はこれらの三つの層が協調して働くときに起こります。ドアが開く音は単なる物語音のきしみではなく、その重要性を強調する微妙な非物語音の音楽的要素や、何かが安全か危険かを示唆する低周波成分を持つかもしれません。このレイヤーアプローチがプロのサウンドデザインとアマチュア作品を分けるところです。

技術的基盤：ツールとワークフロー

実用的な側面について話しましょう。プロフェッショナルなサウンドデザインを作成するのに50,000ドルのスタジオは必要ありませんが、ツールを理解し効率的なワークフローを確立する必要があります。何年もの実験の末、私は品質とアクセスのバランスのとれたセットアップを開発しました。

録音には、約350ドルのZoom H6フィールドレコーダーと700ドルのRode NTG3ショットガンマイクを使用しています。この組み合わせは、モバイルゲームから劇場用リリースまでのプロジェクトのためにサウンドをキャプチャしてきました。はい、さらに高価なオプションもあります — 私はプロのスタジオで3,000ドルのマイクを使用したことがありますが、品質の差はおそらく15-20％程度で、価格差は400％です。ほとんどのクリエイターにとって、その計算は理にかなりません。

私の選ぶデジタルオーディオワークステーション（DAW）はReaperで、個人ライセンスはわずか60ドルです。また、プロツールも広く使用しています（業界標準、年約600ドル）、そして正直に言うと、サウンドデザインの作業に関しては、Reaperはコストのわずかに対してプロツールができる95％のことを実行します。残りの5％は、特定のワークフロー要件を持つ大規模な共同作業環境で作業する場合にのみ重要です。

サウンドライブラリについては、約180,000個の個別のサウンドファイルを整理して維持しています。そのうち約40％は私が自分で録音した音、30％はBoom Libraryなどの商業ライブラリから（ここ数年で約2,000ドル投資しました）、残りの30％はFreesound.orgなどの無料のソースからの音です。ほとんどの初心者が気づかないことが一つあります：無料の音は商業用のものと同じくらい良いことが多いのです。違いは整理と多様性です。商業ライブラリはドアを閉める50のバリエーションを提供し、無料ライブラリは3つかもしれません。しかし、もっと編集やレイヤリングをする気があれば、同じ結果を達成できます。

私のワークフローは、数百のプロジェクトを通じて洗練された一貫したパターンに従っています。まず、完全なスポッティングセッションを行います — ビデオ全体を見たり、ゲームセクションをプレイしたりして、必要なすべての音をメモします。私は、タイムコード、サウンドの説明、優先度（A/B/C）、およびメモの列を持つスプレッドシートを使用します。これは通常、10分ビデオまたは30分のゲームプレイセクションで2〜3時間かかります。

次に、編集を開始する前にすべての音を収集または作成します。この「バッチ処理」アプローチは、直線的に作業するよりも約40％効率的です。私はフォリーを録音するのに1日、ライブラリを探すのに別の日、音を合成するのにおそらく別の日を費やします。その後にDAWを開いてサウンドを配置し始めます。

第三に、私はパス作業を行います。第一のパスは、音をその場所に配置するだけです — ラフなタイミング、処理なし。第二のパスはタイミングの洗練および基本的なEQ。第三のパスはエフェクトとプロセスを追加します。第四のパスはミキシングとバランスです。このアプローチにより、後で全く機能しないと決定したサウンドに30分を費やすことを防ぎます。

実際に重要な録音技術

インターネットには録音のアドバイスがたくさんありますが、そのほとんどは焦点が合っていない内容です。